Самые известные русские художники-новаторы и их картины

Иван Айвазовский — гениальный маринист

За всю свою плодотворную карьеру Айвазовский создал около 6 тысяч произведений, причём не только морские пейзажи и баталии, а также городские, степные и горные пейзажи и даже картины на библейские сюжеты.

Автопортрет (1874) • 1893 год. Иван Айвазовский за работой

Однако мировую известность ему принесло изображение водной стихии, где море не просто выступает фоном, а становится центральным образом со множеством состояний и настроений. Иван Константинович работал в основном по памяти, делая на месте небольшие зарисовки. Художник считал, что стихию невозможно скопировать с натуры, а настоящее искусство должно передавать поэзию природы. Именно поэтому его морские пейзажи получались настолько реалистичными и живыми. Айвазовский удивительно точно улавливал нюансы строптивой водной стихии: от умиротворяющего морского штиля до поражающих воображение бушующих штормов.

Посетить Русский музей

Самая известная его картина — «Девятый вал» — посвящена борьбе людей с разбушевавшейся стихией. На ней изображены моряки, потерпевшие кораблекрушение, на которых вот-вот обрушится огромная волна. Грандиозность и мощь моря художник передал через невероятную цветовую гамму. Ему удалось запечатлеть и прозрачность воды, и её свечение в солнечных лучах, и мрачную глубину пучины. Сегодня «Девятый вал» можно увидеть в Русском музее, а самое крупное собрание работ Айвазовского (более 400 произведений) хранится в его именной картинной галерее в Феодосии.

«Девятый вал» (1850) • Картины художника в Русском музее. Фото: Shutterstock

Иван Шишкин — «царь леса»

Классик пейзажной живописи, которого современники прозвали «лесным богатырём» и «царём леса» за его удивительное умение передавать мощь и величие русской природы. Он первым в отечественной живописи отказался от идеализированных пейзажей и стал писать природу реалистично и предельно точно, без обобщений и условностей. Художник отлично разбирался в ботанике: знал структуру мхов и коры, изучал строение трав, изгибы ветвей, виды прожилок на листьях. При этом за такой высокой детализацией стоит не простое копирование, а виртуозное изображение движения солнечных лучей, прохлады тени и мрачность лесной чащи. Шишкин стал основоположником национального реалистического пейзажа и создал целую галерею узнаваемых и величественных образов с непроходимыми лесными чащобами и бескрайними золотыми полями.

Портрет И. И. Шишкина. Художник: Иван Крамской (1880) • Иван Иванович Шишкин. Фото: М. П. Дмитриев

Самая известная и хрестоматийная его картина — «Утро в сосновом лесу» — написана совместно с Константином Савицким, который изобразил медведей, карабкающихся по стволу дерева. А вот композиция и изображение соснового леса, подёрнутого утренним туманом, принадлежит кисти Шишкина. В 1890‑х, ещё при жизни художника, картину использовали для оформления обёртки конфет шоколадной фабрики «Эйнем», что сделало полотно всенародно любимым. Этот и другие шедевры Шишкина можно увидеть в Третьяковке, а ещё несколько выставлены в Русском музее.

«Утро в сосновом лесу» (1889) • Работы Ивана Шишкина в Третьяковской галерее. Фото: Shutterstock

Василий Суриков — основоположник национальной исторической картины

Суриков сумел переосмыслить устоявшиеся каноны в жанре исторической живописи. До него исторические полотна были тесно связаны с академической традицией, где царили театральность, пафос, идеализацию героев и событий. Художники обращались в основном к религиозным, мифологическим и батальным сюжетам, а с середины XIX века усилился интерес к отечественной истории. Мастера начали изучать детали быта минувших эпох, но изображали в основном царей, полководцев и знать.

Суриков первым в русской живописи сделал народ главным героем своих картин. Он перестал идеализировать историю и стал показывать её через живую и многоликую толпу, где каждый персонаж обладает своим характером. Вместо обезличенной массовки у него возникают яркие, запоминающиеся образы. Его полотна полны драматизма, движения и внутреннего конфликта, а сюжеты связаны с народными гуляньями, завоеваниями, восстаниями и бунтами.

Портрет В. И. Сурикова. Художник: Илья Репин (1877) • Автопортрет (1913)

Например, самая известная его картина «Боярыня Морозова» посвящена расколу православной церкви в XVII веке. На полотне изображена опальная старообрядка Феодосия Морозова, которую в цепях везут в заточение. Суриков показывает её как женщину невероятной духовной стойкости. Драматизм события выражает окружающая толпа: кто-то искренне сочувствует и плачет, кто-то насмехается, а кто-то крестится ей вслед. Сегодня «Боярыню Морозову» и другие шедевры можно увидеть в постоянной экспозиции Третьяковки. Также большое собрание произведений мастера хранится в Русском музее и Художественном музее имени Сурикова в Красноярске.

«Боярыня Морозова» (1887) • Картина в Третьяковской галерее. Фото: Shutterstock

Виктор Васнецов — родоначальник неорусского стиля

Несмотря на то что до Васнецова русские художники проявляли интерес к фольклору, именно Виктор Михайлович сумел вывести сказочно-былинные сюжеты в новое самостоятельное направление отечественного искусства. Художник виртуозно соединил фантастику, традиции символизма и реализма с поэтичностью русской старины. Он не просто иллюстрировал известные сюжеты, а наполнял их глубоким символическим смыслом, народными поверьями и сакральными представлениями предков. При этом его сказочные герои не существуют в отвлечённом пространстве, а помещены в узнаваемые пейзажи. Даже доспехи и детали старорусской одежды у Васнецова очень реалистичны.

Выбрать экскурсию по Третьяковской галерее

Над главным своим шедевром — монументальным полотном «Богатыри» — Васнецов работал почти 30 лет. Художник изобразил трёх главных героев народных былин — Илью Муромца, Добрыню Никитича и Алёшу Поповича, которые стоят на страже родных земель. Художник тщательно изучал археологию, древнерусский быт и старинные доспехи. Сотрудники Исторического музея даже разрешили ему работать с подлинными предметами из своих запасников. Поэтому на картине мы видим реалистичные детали вооружения, правда, разных эпох: от X до XVII века. Самое большое количество сказочных картин Васнецова можно увидеть в главном здании Третьяковки и московском доме-музее художника. Также его работы представлены в Русском музее и Вятском художественном музее, основанном братьями Васнецовыми ещё при жизни.

Начало XX века. Виктор Васнецов • «Богатыри» (1881-1898) • Работы Васнецова в Третьяковской галерее. Фото: Shutterstock

Исаак Левитан — мастер психологического пейзажа

Художника часто называют певцом русской природы. Его поэтичные пейзажи не просто передают красоту окружающего мира, но и вызывают глубокий эмоциональный отклик. Левитану удалось создать особый жанр — пейзажи-настроения: размытые дороги и слякоть межсезонья вызывают грусть и тоску, от атмосферных закатов над рекой веет гармонией, а от грозовых туч — тревогой. Художник сумел превратить природу русской глубинки в одухотворённый образ, полный самых разных переживаний: от щемящей грусти до тихой радости и покоя.

Отправиться в Плёс

Такая психологическая глубина достигается благодаря мастерской работе с цветом. Левитан активно использует приёмы импрессионизма. Фактурные, свободные мазки и смелые цветовые контрасты помогают ему передать изменчивость природы — мерцающий свет, трепет листьев на ветру или нависающую тяжесть грозовых туч.

Автопортрет (1880) • Портрет И. И. Левитана. Художник: Валентин Серов (1893)

Вершиной творчества художника считают картину «Над вечным покоем». В этом полотне Левитану удалось передать щемящее чувство одиночества перед лицом вечности. Маленькая церквушка на берегу, широкая водная гладь и сгущающиеся над ней тяжёлые облака олицетворяют быстротечность человеческой жизни. Увидеть эту и другие значимые работы Левитана можно в Третьяковке, а побывать в доме-музее художника и увидеть пейзажи, вдохновившие его на создание картин, — в Плёсе.

«Над вечным покоем» (1894) • Картины художника в Третьяковской галерее. Фото: Shutterstock

Архип Куинджи — «художник света»

Куинджи вошёл в историю как выдающийся пейзажист, которого современники называли «кудесником света». Он экспериментировал с цветом и использовал новейшие научные достижения. В его творчестве ощутимы романтические мотивы: художник писал море, степи, величественные горы, завораживающие закаты и, конечно, лунные ночи, ставшие впоследствии его визитной карточкой. При этом его работы отличаются высокой точностью, иллюзией объёма и гипнотическим сиянием. Этих эффектов художник достиг благодаря глубоким познаниям в оптике и уникальному цветовосприятию. Кроме того, Куинджи экспериментировал с химическим составом красок. Он смешивал пигменты с битумом и добавлял алюминиевую или бронзовую пудру, из-за чего появлялся блеск и эффект внутреннего свечения.

Именно эти приёмы он применил в своей знаменитой картине «Лунная ночь на Днепре». Чтобы показать её, художник организовал в 1880 году первую в России выставку одной картины. Произведение поместили в тёмном зале, а луч света от лампы направили на полотно, из-за чего усилилась иллюзия живого, мерцающего лунного света. Эффект был ошеломляющим: зрители стояли в очередях, а художника даже подозревали в использовании волшебных красок. Всего существует пять версий этой картины. Одна из ранних реплик хранится в Третьяковке, а та самая, вызвавшая небывалый ажиотаж на выставке, — в Русском музее.

Портрет Куинджи. Художник: Иван Крамской (1872) • «Лунная ночь на Днепре» (1880) • Работы художника в Русском музее. Фото: Shutterstock

Валентин Серов — мастер психологического портрета

Стал самым известным портретистом конца XIX — начала XX века. Он писал знатных особ, генералов и даже членов императорской семьи. Однако многие боялись заказывать у него портреты — всё из-за его честности и удивительной проницательности. Художник отказывался приукрашивать внешность и скрывать недостатки, зато мастерски проникал во внутренний мир человека, показывая как его глубину и богатство, так и духовную пустоту.

Именно поэтому Серова часто называют мастером психологического портрета. Характеры моделей художник выражал через расслабленные естественные позы, жесты и ракурс, которые тщательно подбирал для каждого человека индивидуально. Новаторским был и его подход к композиции. Серов смешивал портрет, пейзаж и интерьер, выстраивая изображение вокруг гармоничного взаимодействия человека и окружающей среды. Фон играет такую же важную роль, как и сама модель, передавая настроение момента.

Валентин Серов: 1890 год • 1901–1902 годы

Всемирное признание художнику принесла картина «Девочка с персиками», на которой мастер изобразил 11‑летнюю дочь известного мецената Саввы Мамонтова. Через непринуждённую позу, лёгкий румянец и лукавый взгляд автор сумел передать озорство девочки. А зелёные деревья за окном и поток солнечного света создают радостное настроение. Сегодня главные шедевры Серова можно увидеть в ведущих художественных музеях России, а вот проникнуться атмосферой, в которой жил и работал художник, получится в мемориальном доме-музее в Тверской области.

«Девочка с персиками» (1887) • Картина в Третьяковской галерее. Фото: Shutterstock

Марк Шагал — мастер «живописной поэзии»

Уникальный художник, в чьих картинах переплелись еврейская культура, приёмы авангарда и личные переживания. Мировую известность Шагал приобрёл благодаря уникальному видению. Он создал удивительный волшебный мир, где люди летают, животные играют на скрипках, а дома стоят вверх дном. Его живопись полна ярких, неожиданных цветовых сочетаний, которые передают настроение и чувства самого автора. А ещё произведения Шагала очень личные: он изображает улочки и дома родного Витебска, сцены местечкового быта и любимую жену Беллу.

Портрет Шагала. Художник: Юдель Пэн (1914) • 1920 год. Марк Шагал

Размер персонажей и предметов у Шагала не подчиняется обычной композиции, а зависит от их значимости для художника. При этом на одном холсте он мог объединить несколько разрозненных сцен. Такая деформация пространства делает его картины похожими на поэзию, где время и пространство живут по собственным законам. Не случайно один из ключевых мотивов его творчества — полёт, который символизирует любовь и свободу. Самая известная работа на эту тему — «Над городом», где Шагал изобразил себя и Беллу, парящих над Витебском. Этот полёт становится метафорой всепоглощающей любви, не подвластной законам физики и времени.

Выбрать экскурсию в музей Шагала в Витебске

Увидеть произведения Марка Шагала можно не только в ведущих российских музеях, но и в Центре Помпиду в Париже, Музее современного искусства в Нью-Йорке. А самая большая коллекция произведений находится в Национальном музее Марка Шагала в Ницце. На родине художника, в Витебске, работает дом-музей, экспозиция которого посвящена детским и юношеским годам.

«Над городом» (1918) • Картина в Третьяковской галерее. Фото: Shutterstock

Василий Кандинский — основоположник абстракционизма

Прославился как революционер в искусстве. Он первым начал писать «беспредметные» картины, в которых полностью отказался от изображения реальных объектов, превратив цвет и линию в художественный язык. Так появился абстракционизм — новое направление в искусстве, призванное выражать настроение, эмоции и идеи без привязки к реальности. Кандинский разработал целую визуальную систему, где каждый элемент на холсте наделён глубоким смыслом, а цвет отвечает за эмоции. Интересно, что художник наделял цветовые оттенки музыкальными ассоциациями. Так, к примеру, синий кажется ему глубоким и печальным, похожим на звук виолончели и органа, а красный — энергичным и страстным, подобным звуку фанфар или барабанов.

Василий Кандинский: 1910 год • 1923 год

Через сочетание ярких красок, абстрактных форм и динамических линий Кандинский стремился передать те переживания, которые испытывал сам, вызывая у зрителя мощный эмоциональный отклик. Самой известной серией его работ стала «Композиция». В период с 1910 по 1939 год он создал 10 масштабных полотен с яркими пятнами цвета, хаотичными линиями, фигурами и штрихами, которые, подобно музыкальным партиям в оркестре, соединяются в единое гармоничное произведение. В Новой Третьяковке можно увидеть одну из ранних работ — «Композицию VII», в которой художник объединил сразу несколько библейских сюжетов — Всемирный потоп, Судный день, Воскресение из мёртвых и Райский сад. Гигантский размер картины позволяет зрителю буквально погрузиться в изображение и почувствовать себя частью происходящего. Другие шедевры Кандинского можно увидеть в Пушкинском музее, Русском музее и Эрмитаже. А самые большие собрания представлены в Ленбаххаусе в Мюнхене и Музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Казимир Малевич — отец русского супрематизма

Одна из самых ярких фигур русского авангарда, чьи смелые идеи навсегда изменили искусство XX века. Художник мечтал, чтобы живопись перестала быть зеркалом реальности и превратилась в самостоятельную вселенную, живущую по собственным законам. Кульминацией его творческих и философских исканий стал супрематизм — направление, в котором главными выразительными средствами стали простейшие геометрические фигуры и чистый цвет, а не предметы и образы.

Малевич не просто придумал новый художественный метод, а создал целую философскую систему. Супрематизм стремился передавать внутреннее ощущение без привязки к материальному миру. Выражается оно через яркие цвета, асимметричные композиции, соотношение форм и размеров фигур. Такой язык делает искусство беспредметным, то есть убирает всё лишнее, оставляя только «чистые эмоции».

Казимир Малевич: 1900 год • 1924 год

Главным символом этого направления стал «Чёрный квадрат». Эта работа стала венцом беспредметности. Квадрат символизирует конец старого искусства и начало нового, а чёрный цвет олицетворяет пустоту, бесконечность и вечность. Всего Малевич создал четыре версии чёрного квадрата. В Новой Третьяковке можно увидеть самый первый вариант, созданный в 1915 году, а также наиболее близкую к нему копию 1929 года. Ещё две работы выставлены в Русском музее и Эрмитаже.

Сегодня Казимир Малевич считается одним из величайших новаторов в мировом искусстве, а его произведения занимают почётное место в крупнейших музеях мира, таких как Музей современного искусства (МоМА) в Нью-Йорке, Центр Помпиду в Париже, Музей Людвига в Кёльне.

Что ещё почитать о русских художниках

Узнать больше о художниках-новаторах, их методах и уникальном видении можно не только на экскурсиях в художественных музеях и галереях. Чтобы понять, чем они жили и что их вдохновляло, стоит отправиться в мемориальные усадьбы и мастерские. Собрали подборку статей для всех, кто интересуется живописью.

• Самые главные художественные музеи России
• Главные художественные усадьбы России
• Реальные места с картин художников