Главные шедевры Русского музея
«Девятый вал», «Бурлаки на Волге», «Чёрный квадрат» и другие работы знаменитых мастеров
Материал подготовлен редакцией Tripster при участии местных гидов
ЮлияЗнает всё о петербургских дворцах и усадьбах, а ещё водит экскурсии по Русскому музею, где с вдохновением рассказывает о судьбах великих художников и их полотнах.
МаксимПоделится малоизвестными фактами о шедеврах живописи, проведёт не только по залам Русского музея, но и по главным достопримечательностям Петербурга.
Где можно увидеть коллекцию Русского музея
Сегодня собрание занимает шесть зданий, расположенных в разных частях Санкт‑Петербурга. Обойти их за день практически невозможно. Однако можно ограничиться главным зданием Государственного Русского музея — Михайловским дворцом, вход в который расположен со стороны площади Искусств. Прямо из него по переходу можно попасть в Корпус Бенуа, где проходят временные выставки и расположена постоянная экспозиция живописи XX века.
Самые известные картины Русского музея
Список ниже — не строгая рекомендация. Однако знакомство именно с этими работами позволит посетителю осмотреть основные экспозиции, а также понять, в каком направлении развивалась живопись в России в XIX-XX веках.
«Последний день Помпеи», К. П. Брюллов (1833)
Михайловский дворец, зал № 14
Идея создания этого произведения пришла к художнику после посещения раскопок Помпей. История древнего города, погребённого под слоем лавы и пепла в результате извержения Везувия, произвела на Брюллова большое впечатление. Он решил изобразить это событие на огромном полотне и потратил на работу шесть лет.
На картине можно увидеть не только самого художника, но и возлюбленную Карла Брюллова. Это Юлия Павловна Самойлова. Если приглядеться к женщинам на картине, то в каждом лице можно узнать её черты.
Юлия, гид в Санкт-Петербурге Картина, законченная в 1833 году в Риме, была поднесена заказчиком, Анатолием Демидовым, Николаю I. Впечатлённый полотном, император вызвал Брюллова в Петербург для работы в Академии художеств и оформления интерьеров Исаакиевского собора. Проводя в сыром храме часы напролёт, художник подорвал здоровье и вскоре скончался в возрасте 52 лет. Не будь картина «Последний день Помпеи» столь успешной, Брюллов мог бы спокойно и благополучно продолжать работать в Италии.
Максим, гид в Санкт-Петербурге В центре композиции — младенец, прильнувший к телу мёртвой матери, как символ падения старого мира и зарождения нового. Справа и слева — жители римской провинции, застывшие в вечном ужасе перед лицом стихии. Среди них христианский священник, олицетворяющий новую веру. Брюллов противопоставляет ему языческого жреца, убегающего с храмовыми реликвиями. В толпе также можно заметить художника с ящиком красок на голове — это автопортрет Брюллова.
После невероятного успеха в Европе работу высоко оценили и в России. Николай I захотел лично познакомиться с её автором, А. С. Пушкин посвятил ей стихотворение, Н. В. Гоголь — большую статью, а самого Брюллова окрестили «великим Карлом».
«Девятый вал», И. К. Айвазовский (1850)
Михайловский дворец, зал № 14
Девятый вал — это самая страшная волна во время шторма. Так гласит поверье, бытующее среди моряков. Родившийся и выросший на черноморском побережье Айвазовский наверняка был с ним знаком. По одной из версий, он стал свидетелем свирепого буйства стихии во время морского путешествия по Европе. Кстати, в прессе тогда даже ошибочно была распространена информация, что художник погиб!
За свою жизнь Айвазовский написал около 6000 полотен, среди которых большая часть — морские пейзажи. Однако эта работа занимает особое место в его творчестве. Несмотря на огромные размеры (три на два метра), она была написана всего за 11 дней! И сразу стала настоящим хитом — на неё приходили посмотреть по несколько раз в неделю. По успешности это произведение можно сравнить только с брюлловским «Последним днём Помпеи».
«Бурлаки на Волге», И. Е. Репин (1870-1873)
Михайловский дворец, зал № 33
Вместе с этой работой в русском искусстве родилось новое направление — реализм. Ранее никто и никогда не пытался изобразить тяготы простого народа на большом полотне. Репин не просто показал труд бурлаков без прикрас — он усилил гнетущее впечатление за счёт плывущего в противоположном направлении буксира, который призван облегчить их участь, но по какой-то причине не используется.
Репин так драматично прописал героев, что в следующие два факта трудно поверить. Во-первых, живописец не ставил своей целью показать социальную несправедливость. Его просто вдохновил образ волжских работяг. Во-вторых, этот труд был добровольным, высокооплачиваемым (за сезон судоходства можно было заработать на безбедную зиму) и, как бы сейчас сказали, «проектным» (бурлаков приглашали, если баржа садилась на мель).
Произведение было представлено на Всемирной выставке в Вене, прославив Репина в Европе. После этого картину, в которой публика увидела критику имперского строя, приобрёл великий князь Владимир Александрович. Многие годы она висела в бильярдной его дворца.
«Витязь на распутье», В. М. Васнецов (1882)
Михайловский дворец, зал № 28
Это одна из нескольких картин Васнецова, написанная по мотивам былины об Илье Муромце. Первую работу художник закончил в 1877 году и представил на выставке, однако остался ей недоволен. А спустя пять лет написал того самого «Витязя на распутье», который сегодня признан шедевром и выставлен в Русском музее.
Всегда считалось, что эта картина о трудности выбора. Но если прочитать надпись на камне, то выходит, что выбора у витязя нет. Надпись гласит: «Как пряму ехати, живу не бывати, нет пути ни проезжему, ни прохожему, ни пролётному».
Юлия, гид в Санкт-Петербурге Виктор Васнецов считал «Витязя на распутье» самой удачной своей работой. Недаром сюжет этой картины воспроизведён на надгробии художника на Введенском кладбище в Москве, ведь именно с неё и началось его собственное распутье, когда он ушёл от жанровой бытовой передвижнической живописи к исторической, основанной на фольклорной тематике.
Максим, гид в Санкт-Петербурге От предыдущих картина 1882 года отличалась размером (Васнецов увеличил полотно) и несколькими важными деталями: пропала дорога, по которой пришёл витязь, и распутье с тремя тропинками. Сам богатырь теперь изображён спиной к зрителю (в предыдущих версиях — лицом или вполоборота). А от текста на камне, прежде предвещавшего три варианта развития событий (женитьбу, богатство и смерть), остался лишь один — самый мрачный.
О символических значениях этих изменений спорят до сих пор. Однако большинство сходится во мнении, что Васнецов хотел усилить ощущение судьбоносности выбора, который стоит перед героем.
Всего, по разным оценкам, существует до десяти версий картины. Одна из них выставлена в Серпуховском историко-художественном музее.
«Переход Суворова через Альпы», В. И. Суриков (1899)
Михайловский дворец, зал № 36
Суриков взял за основу сюжета для картины трагический эпизод, когда после череды кровопролитных битв с французами и изнурительных горных переходов измотанному войску под командованием А. В. Суворова оставалось преодолеть последний перевал — Паникс. Глубокой осенью 1799 года в Альпах уже стояли морозы. Впереди — пугающая бездна, вокруг — снегопад и сильный ветер, отступать нельзя. Этот переход занял сутки и унёс жизни как минимум двухсот человек.
Если присмотреться к фигуре Суворова на коне, то можно заметить, что он улыбается. Полководец юмором вдохновляет верных солдат на подвиг, подбадриваемые им, они летят в бездну. И их готовность следовать за командиром поражает! Сам Суриков называл свою картину «подвигом под шутку полководца». Живописец завершил полотно в 1899 году — как раз к столетию Швейцарского похода Суворова. В том же году картину купил Николай II для недавно учреждённого Русского музея.
Максим, гид в Санкт-Петербурге 
Художник работал над картиной около четырёх лет. За это время он несколько раз ездил на место событий: рисовал альпийские пейзажи с натуры и даже скатывался со снежных склонов, чтобы представить, что чувствовали участники похода. Такое погружение в тему позволило очень точно изобразить эмоции и позы солдат, а также горный спуск, для многих из них оказавшийся смертельным. Это полотно необычно и из-за вертикальной ориентировки холста, нетипичной для того времени и для этого жанра. Таким образом автор хотел усилить ощущение неудержимого падения в пропасть.
«Небесный бой», Н. К. Рерих (1912)
Флигель Росси, зал № 41
Этот пейзаж не был написан с натуры и не существовал в действительности. Это обобщённый образ планеты Земля, порождённый фантазией Рериха.
Идея картины возникла у Рериха в период, когда он работал над оформлением постановки оперы «Валькирия» Рихарда Вагнера. В первоначальном эскизе художник изобразил фигуры могучих дев-воительниц, сражающихся в небесной выси. Однако в окончательном варианте отказался от излишней литературности. Поэтому в картине «Небесный бой» в бесконечном пространстве причудливо клубятся цветные облака. Публика посчитала полотно, полное тревоги и созданное незадолго до Первой мировой войны, пророческим, а писатель Максим Горький даже назвал художника «великим интуитивистом».
Максим, гид в Санкт-Петербурге Как и на других его картинах, главное место здесь отведено цвету. Кучевые облака, занимающие большую часть холста, написаны на контрасте светлого и тёмного, холодного и тёплого, что подчёркивает нереальность пейзажа. Они конфликтуют и одновременно гармонируют друг с другом.
При этом основное чувство, которое остаётся от созерцания работы, — тревога. Вероятно, изображение неспокойного неба — это авторская попытка передать собственные переживания, связанные с ощущением предстоящей войны.
«Купчиха за чаем», Б. М. Кустодиев (1918)
Корпус Бенуа, зал № 71
Самый удивительный факт, связанный с этой работой, — Кустодиев написал её будучи прикованным к инвалидному креслу из-за тяжёлой болезни. Несмотря на это, ему удалось создать шедевр. И, кстати, всего за несколько дней!
Образ состоятельной купчихи списан с соседки Кустодиева. Модель была молода и не отличалась выдающимися формами. Живописец сознательно прибавил ей возраста и веса. Первое — для солидности, второе — для красоты: худоба, как он говорил, его не вдохновляла. К слову, из-за обилия пышнотелых красавиц на кустодиевских полотнах художника даже называли русским Рубенсом.
Для одних эта работа — ностальгия по богатой купеческой жизни. Для других — карикатура на «третье сословие». Последнее мнение было особенно распространено в советское время. Сейчас искусствоведы склонны считать, что таким образом художник прощался со старым миром, которого не стало после революции 1917 года.
«Смерть комиссара», К. С. Петров-Водкин (1928)
Корпус Бенуа, зал № 79
На этом полотне запечатлён трагический эпизод Гражданской войны: раненный в битве комиссар умирает на руках бойца, в то время как возглавляемый им отряд красноармейцев продолжает сражение.
В созданных художником образах заложены идеи преданности идеалам революции. Именно такую задачу поставил перед ним революционный военный совет, заказывая картину к 10-летию Красной армии. Петров-Водкин прекрасно справился, что принесло ему всеобщее признание.
«Смерть комиссара» заслуживает внимания ещё по одной причине. В этой работе автор отказался от линейной перспективы, применив особый метод построения пространства — «сферический». В его основе — ощущение мира как единого целого. Используя этот приём, автор создаёт дополнительный объём и динамику и как бы выводит единичное событие, изображённое на полотне, на новый, планетарный уровень.
«Оборона Севастополя», А. А. Дейнека (1942)
Корпус Бенуа, зал № 81
До начала Великой Отечественной войны Дейнека жил в Севастополе. С тех пор у него хранились альбомы с зарисовками, сделанными в крымский период. Именно они послужили основой для этой работы. А стимулом стали фотографии разрушенного города, которые он увидел в начале 1942 года.
Дейнека не стремился к реалистичности в изображении битвы, но хотел достичь достоверности в движениях и ракурсах советских воинов, раз за разом рисуя человеческое тело с натуры. Правда, моделей было не найти: все мужчины ушли на фронт. Поэтому для матроса на переднем плане позировала женщина. Несмотря на все усилия художника, его обвинили в неубедительности и даже незавершённости картины. Тогда это помешало ему получить Сталинскую премию. Сегодня же эта работа — признанный шедевр батальной живописи.
Картины А. И. Куинджи
В Русском музее можно увидеть более двух десятков работ Куинджи. Самая известная среди них — «Лунная ночь над Днепром» (1880).
Экспериментируя с красками, в чёрный цвет Куинджи добавлял битум. Тогда свойства этого вещества не были изучены и никто не мог предположить, что в результате полотно так потемнеет. Из-за того что краска вступила в реакцию с битумом, отреставрировать картину невозможно.
Юлия, гид в Санкт-Петербурге Всё, что видит зритель, — мерцание лунного света на водной глади. Остальные детали погружены в темноту ночи. Пейзаж получился настолько реалистичным, что Куинджи подозревали в использовании специальных ламп, которые он якобы поместил за полотном, и даже в сделке с дьяволом! На самом деле это результат тонкой работы и экспериментов по смешиванию красок, которые художник проводил в химической лаборатории Д. И. Менделеева.
Полотно нашло покупателя до того, как было окончено, и вошло в историю живописи как экспонат первой в России моновыставки.
Картины Г. И. Семирадского
Будучи представителем академизма в живописи, он писал полотна на исторические, античные и религиозные темы. Одно из них — «Грешница» (1873). В основе сюжета — одноимённое стихотворение А. К. Толстого, повествующее о встрече блудницы с Христом, которое символизирует столкновение языческого и христианского миров. Во времена Семирадского это произведение было очень популярным — его горячо обсуждали и читали вслух в литературных салонах.
Особенность работы заключается в неуловимой игре света и тени, благодаря которой герои выглядят очень реалистично. Полюбоваться полотном и ещё семью картинами художника можно в Русском музее.
Картины И. И. Шишкина
Коллекция работ Шишкина в Русском музее насчитывает более 80 картин. Благодаря столь обширному собранию можно проследить этапы становления художника. Здесь есть «Вид в окрестностях Петербурга» (1856) — один из первых пейзажей Шишкина, написанный в годы его учёбы в Академии художеств и удостоенный медали. Особое место среди ранних работ занимают этюды с летней практики юного живописца на острове Валаам, где тот в мельчайших деталях передаёт красоту северной природы.
Одна из самых значимых картин европейского периода мастера — «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» (1865). Она принесла ему звание академика и тоже хранится в Русском музее. Здесь же можно увидеть самую известную работу Шишкина — «Утро в сосновом бору» (1889). Но не большое полотно в цвете (оно экспонируется в Третьяковской галерее), а карандашный набросок, с которого начинался великий шедевр.
Картины В. В. Верещагина
Верещагин постоянно путешествовал, задерживаясь дома лишь на один-два месяца. Каждая поездка вдохновляла его на серию новых работ, раз за разом приносивших ему всё более широкую известность.
В Русском музее хранится девять картин Верещагина, посвящённых Средней Азии, Кавказу, Палестине, Японии и России. Особого внимания заслуживает большое полотно «У дверей мечети» (1842), написанное им после посещения Туркестана и характеризующее его как мастера мельчайших деталей. В этой работе художник с невероятной точностью изобразил богатый орнамент двери мусульманской мечети Газрей-Вассави.
Картины М. А. Врубеля
Талант этого художника не знал границ. Врубель писал картины, иконы, фрески, создавал эскизы к театральным костюмам и керамику невероятной красоты. Однако в историю живописи он вошёл благодаря циклу работ со сквозным персонажем — демоном.
Долгие годы физические и интеллектуальные силы живописца подтачивала душевная болезнь. Он постоянно лечился в психиатрических клиниках, а в краткие моменты просветлений создавал выдающиеся произведения, от которых веет чем-то потусторонним. Это дало повод современникам утверждать, что художник продал душу дьяволу и поплатился за это собственным здоровьем. Сам Врубель считал, что все беды последних лет — это наказание за страшное преступление, которое он совершил, когда посмел писать Христа и Богородицу, одновременно работая над «Демоном». Именно в этот период у него появились первые признаки психического расстройства.
Максим, гид в Санкт-Петербурге Последним полотном в этой серии стал «Шестикрылый серафим» (1904), где злой дух превращается в божественного вестника, образ которого вдохновлён стихотворением А. С. Пушкина «Пророк». Демон, переродившийся в серафима, символизирует перелом в духовных исканиях самого Врубеля. Картину он писал в перерывах между приступами тяжёлой болезни, полотно стало его последней масштабной работой.
Картины П. Н. Филонова
Мечтая стать живописцем, маляр Филонов часами копировал картины великих мастеров в Русском музее, готовясь к поступлению в Академию художеств в Санкт‑Петербурге. Однако проучившись там несколько лет, отчислился по собственному желанию, чтобы стать одним из основоположников русского авангарда.
Теперь в том же музее можно увидеть одну из самых впечатляющих картин Филонова — «Формула весны» (1929). Как и другие свои работы, эту он писал мелкими мазками (или, как говорил сам мастер, — «атомами»), нанося их тонкой кистью и двигаясь от одного угла холста к другому. Результат тонкой работы восхищает: сотни цветных «атомов» закручиваются в вихре и кружат голову как первый запах весны.
Картины К. С. Малевича
В начале пути он искал себя, рисуя картины в стиле разных направлений авангарда. А потом создал новый стиль — супрематизм, выделив в нём три стадии: чёрную, цветную и белую. В понимании художника первая предполагала исследование формы, вторая — цвета, третья — фактуры.
О смысле этой картины горячо спорят уже больше века. Что это: произведение искусства или жест, манифест беспредметной живописи? Месть провинциального самоучки, не принятого дважды в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, или приговор старому искусству? Взгляд в бездну, в тоннель, ведущий к центру Земли, или универсальное знание, сложившее в пачку чёрно-белые негативы с изображением всего сущего? А может быть, это просто маленький мальчик с огромным чёрным ранцем, идущий по заснеженному полю?
Максим, гид в Санкт-Петербурге Каждую стадию он воплотил в серии полотен, большая часть которых есть в собрании Русского музея. Самое известное — «Чёрный квадрат». Это начало и конец всех форм и красок мира — так описывал его смысл Малевич.
Заключение
Рекомендуем заглядывать в этот гид во время прогулки по залам Русского музея. Он познакомит с экспозицией не хуже музейного каталога. А если хочется чего-то необычного, можно сходить в музей в компании гида-художника или побывать здесь на экскурсии-квесте с загадками о великих мастерах и их полотнах.
Автор: Инна Метелькова
Ещё на тему путешествий
Экскурсии в Санкт-Петербурге
